Aya Kawato

Aya Kawato est née à Nara en 1988 et a grandi à Kyoto. Après avoir terminé son doctorat à l'Université des arts de Tokyo en 2019, elle est retournée vivre à Kyoto.

Aya a été primée par le Grand Prix de Rêver 2074, coorganisé par le Comité Colbert et l'Université des Arts de Tokyo en 2017, et par le Nomura Art Prize en 2018, elle est devenue une figure incontournable de la scène artistique contemporaine japonaise. Au printemps 2022, elle a été invitée par le prestigieux Kyocera Museum of Art de Kyoto pour investir son tout nouveau espace d'exposition « The Triangle ». À cette occasion, elle a présenté ses plus récentes œuvres tout en créant une installation artistique.

Le travail d'Aya Kawato explore le thème « Contrôlé et Incontrôlé ».  Elle définit l'incontrôlé comme la déviation qui survient inévitablement lorsqu'une œuvre est réalisée manuellement, même si elle est créée selon un processus méticuleux et sous les mains d'un artisan extrêmement compétent. Cette déviation représente ce qui n'a pas pu être évité de se produire au cours du processus de création artistique, même avec le plus grand désir de contrôle.

Concernant le contrôle, l'artiste le décrit comme une concentration extrême pour suivre le plan prévu tout en anticipant la réaction du matériau. Ces inégalités ou ces décalages qui révèlent autant la nature de l'artiste, la technique que le matériau, ne sont pas perçus comme des imperfections ; au contraire, elle les décrit comme « une beauté qui échappe au contrôle humain ».

Aya Kawato s'est d'abord spécialisée dans les textiles à l'université Seika de Kyoto avant d'obtenir son doctorat  à l'université des arts de Tokyo. Depuis lors, elle conçoit des œuvres bidimensionnelles qu'elle appelle « peintures en grille ». À l'aide de panneaux de bois, d'acrylique et de ruban de masquage, elle crée des œuvres qui fusionnent la technologie, la science et les techniques traditionnelles japonaises de tissage et de teinture. Techniques qu'elle a apprises pendant ses études. Lorsque Aya commence une peinture, elle n'a pas une image de l'ensemble du tableau, celui-ci évolue progressivement. La taille et les couleurs affectent l'image jusqu'à ce que l'œuvre soit achevée. L'utilisation de l'acrylique permet d'appliquer plusieurs couches sans qu'elles fusionnent. Aya utilise la théorie des couleurs pour créer des teintes plus vives, avec une profondeur et un éclat particuliers ; une technique qu'elle a découverte à travers la teinture des textiles. Ses peintures quadrillées comportent des lignes dont la largeur ne dépasse pas cinq millimètres.

Les perceptions du spectateur varient en fonction de la distance et de l'angle de vue, mais également de son propre état d'esprit, de la lumière et de l'environnement de l'œuvre. Au premier coup d'œil, les œuvres d'Aya donnent l'impression d'avoir été créées numériquement. Elles sont cependant peintes manuellement et, bien qu'elles soient à peu près plates, ses œuvres procurent un sentiment  de profondeur et une chaleur particulière. En regardant de plus près, le spectateur découvre les irrégularités de la peinture et les traces laissées par les coups de pinceau de l'artiste.

Œuvres choisies